Eine der jüngs­ten und zugleich auf­merk­sam von der Öffent­lich­keit beob­ach­te­ten Künst­le­rin­nen Ber­lins, Pau­la Doepf­ner, geht aus dem Krei­se der eben­so immer wie­der in Erschei­nung tre­ten­den Künst­ler­schaft her­vor, die seit eini­gen Jah­ren von der eben­falls jun­gen Gale­ris­tin Tan­ja Wag­ner mit viel Erfolg in und auch außer­halb der Stadt posi­tio­niert wer­den. Nach­dem die Gale­rie bereits im ver­gan­ge­nen Jahr mit Ulf Amin­de auf der abc ver­tre­ten war, schickt sie nun die jun­ge Ber­li­ne­rin vor, die als eine von zwei Künst­lern ihren Stand bespie­len wird. Grund genug, gemein­sam mit den Kol­le­gen von iGNANT die Künst­le­rin im Ate­lier zu besu­chen und im Gespräch mehr über ihre Arbeit zu erfahren.

Mat­thi­as Pla­nit­zer: Zu Beginn: Dei­ne Arbei­ten sind im All­ge­mei­nen sehr poe­tisch und emo­tio­nal gefärbt. Wor­in besteht dein künst­le­ri­sches Interesse?

Pau­la Doepf­ner: Ich inter­es­sie­re mich für inne­re Pro­zes­se. In mei­ner Arbeit ver­bin­de ich Mate­ria­li­en mit den Struk­tu­ren von Gefüh­len, Gedan­ken oder Wunsch­vor­stel­lun­gen. Dabei möch­te ich auch zei­gen, dass man den Kern die­ser oft­mals unbe­wuss­ten Pro­zes­se nicht voll­stän­dig fas­sen kann, weil sie zu ver­floch­ten und dadurch nicht greif­bar sind. Ich wäh­le Mate­ria­li­en jedoch nicht, weil sie sym­bo­lisch für etwas ste­hen, son­dern weil sie das sind, was sie sind, und etwas dadurch frei­set­zen, dass sie schmel­zen, wuchern oder zer­stört werden.

Dabei schei­nen bestimm­te Werk­stof­fe eine Rol­le zu spie­len. Es fällt auf, daß du ins­be­son­de­re mit natür­li­chen Mate­ria­li­en arbei­test: Blu­men, Eis, Moos oder auch gro­ße Rei­sig­hau­fen. Was reizt dich an die­sen Stof­fen und wel­chen Platz neh­men für dich Metall, Glas und ande­re anor­ga­ni­sche Mate­ria­li­en ein?

Ich arbei­te mit orga­ni­schen Mate­ria­li­en, weil man ihre Ver­än­de­rung unmit­tel­ba­rer nach­voll­zie­hen kann. Mich inter­es­siert die Span­nung, die dar­in besteht, dass sie einer­seits ver­gäng­lich sind und sich ande­rer­seits in stän­di­ger Wand­lung befin­den. Dadurch sind die Arbei­ten nie abge­schlos­sen. So setzt sich der Trans­for­ma­ti­ons­pro­zess der Eis­ar­bei­ten nach dem Schmel­zen im Rost auf der Metall­plat­te oder im ver­wit­tern­den Moos dar­un­ter fort. Auch die Stof­fe, die man erst­mal nicht als natür­lich bezeich­nen wür­de, wie etwa Metall oder Glas ver­wen­de ich wegen ihrer Ver­än­de­rungs­fä­hig­keit. Metall ros­tet, Glas wird zer­stört. Gleich­zei­tig beschäf­ti­gen mich die Struk­tu­ren natür­li­cher Mate­ria­li­en, schließ­lich fin­den sie sich in mei­nen Zeich­nun­gen wie­der. Ich arbei­te mit einem Rapi­do­gra­phen auf sehr leich­tem Gam­pi Papier. Punk­te wach­sen zu Lini­en und Gebil­den an, über­la­gern sich. Ein orga­ni­scher Pro­zess, der etwa zwei Mona­te dau­ert. Die For­men erin­nern an Ner­ven­zel­len oder Bakterien.

Die­ser eph­eme­re Cha­rak­ter prägt all dei­ne Arbei­ten. Denn wenn sie nicht gera­de schmel­zen oder ver­bren­nen, sind es Per­for­man­ces, die ohne­hin zeit­lich begrenzt sind. Was reizt dich an der End­lich­keit die­ser Kunst und in wel­chem Kon­text suchst du danach?

In der Arbeit mit eph­eme­ren Mate­ria­li­en inter­es­siert mich, dass etwas ver­schwin­det, aber auch gleich­zei­tig etwas Neu­es ent­steht. Ich arbei­te beson­ders ger­ne mit Eis, weil man dar­in etwas ein­schlie­ßen kann, das dann wie­der frei­ge­ge­ben wird. Ich habe mich lan­ge mit den uto­pi­schen Momen­ten in Robert Musils »Mann ohne Eigen­schaf­ten« beschäf­tigt und teils Zita­te, die sich auf die Uto­pie des ande­ren Zustands bezie­hen, ein­ge­fro­ren, die dann spä­ter im Schmelz­pro­zess wie­der frei­ge­ge­ben wur­den. Da pas­siert etwas. Genau­so wenn ein­ge­fro­re­ne Pflan­zen wei­ter wach­sen, nach­dem sie sich aus dem Eis her­aus­ge­löst haben.

Wel­che Pflan­zen­ar­ten kön­nen eine sol­che Schock­fros­tung überstehen?

Win­ter­wei­zen und auch ande­re Grä­ser oder Moo­se. Der­zeit expe­ri­men­tie­re ich mit ark­ti­schen Pflanzen.

Aber dafür müs­sen die Pflan­zen erst ein­mal ins Eis. In dei­nem Ate­lier ver­mis­se ich eine Tief­kühl­tru­he oder ähn­li­ches Gerät. 

Unter dem Tisch da steht eine klei­ne Tief­kühl­tru­he für Expe­ri­men­te. Aber ich las­se die meis­ten Eis­ar­bei­ten von einer spe­zi­el­len Fir­ma in Ber­lin-Trep­tow anfer­ti­gen. Um kla­res Eis zu erhal­ten, braucht man sehr nied­ri­ge Tem­pe­ra­tu­ren, am bes­ten ‑60°C und auch die ent­spre­chen­den Maschi­nen zur Was­ser­fil­te­rung. Des­halb arbei­te ich haupt­säch­lich dort.

Du hast es gera­de schon ange­spro­chen: In dei­nem Werk näherst du dich immer wie­der Robert Musils Kon­zept des ande­ren Zustands an.

Es ist ein dau­er­haf­ter Zustand der Eksta­se, der gleich­zei­tig immer geis­tig reflek­tiert wer­den kann. So ist der Zustand zwi­schen Eksta­se und Klar­heit zu ver­or­ten. Mich inter­es­sie­ren die Radi­ka­li­tät die­ses Zustan­des und die dar­in ent­hal­te­ne Span­nung, die sich immer in einem Gleich­ge­wicht zwi­schen Refle­xi­on und inten­si­vem Füh­len befin­det. Für mich geht die­ser Zustand über vie­le uto­pi­sche Kon­zep­te hin­aus. Ich habe das Buch oft gele­sen. Es hat vie­le Ebe­nen, mich inter­es­sie­ren aber am meis­ten die uto­pi­schen Vorstellungen.

Auf der kom­men­den abc wirst du durch die Gale­rie Tan­ja Wag­ner ver­tre­ten sein. Was hast du vor­be­rei­tet, was wird man sehen können?

Auf der abc wer­de ich eine gro­ße Eis­ar­beit und meh­re­re klein­for­ma­ti­ge Glas­ar­bei­ten zei­gen. Sowohl Eis als auch Glas sind gewis­ser­ma­ßen durch­läs­sig und trans­pa­rent, wobei das eine ver­än­der­lich und das ande­re starr ist. Dabei wird es um ein Kern­ge­biet im Gehirn gehen, die Amyg­da­la, den Teil, der unter ande­rem für die Ent­ste­hung von Wut und Angst ver­ant­wort­lich ist.

Wie planst du, wie lan­ge ein Eis­block brau­chen wird, bis er voll­stän­dig geschmol­zen ist? Wie lan­ge dau­ert es für gewöhnlich?

Man weiß nie genau, wie lan­ge Eis zum Schmel­zen braucht. Wenn ein Eis­block hängt, ver­hält er sich anders, als wenn er wie in frü­he­ren Aus­stel­lun­gen auf dem Boden liegt. Außer­dem hängt es davon ab, wie vie­le Besu­cher anwe­send sind. Ich gehe davon aus, dass es etwa drei Tage dau­ern wird, bis der Eis­block auf der abc voll­stän­dig geschmol­zen sein wird. Mir ist wich­tig, dass das Eis zwar nicht sofort ver­schwin­det, dass man die Ver­än­de­rung aber auch sehen kann.

Dei­nen Werk­kor­pus aus Instal­la­tio­nen, Objek­ten, Zeich­nun­gen und Foto­gra­fien ergänzt du um Per­for­man­ces. Wie fügen sie sich in dein Gesamt­werk ein?

Ich habe lan­ge Zeit Kla­vier gespielt und par­al­lel zum Kunst­stu­di­um Semi­na­re im Bereich Kom­po­si­ti­on besucht. In den Per­for­man­ces ist Musik ein wich­ti­ger Bestand­teil, die ganz kon­kret ein­be­zo­gen wird. Davon abge­se­hen arbei­te ich mit den Instal­la­tio­nen, die ich vor Ort auf­ge­baut habe, zum Bespiel mit Blät­tern und Sträu­chern. Mei­ne letz­te Aus­stel­lung hat­te ich im S2A, einem Pro­jekt­raum, der sich im still­ge­leg­ten U‑Bahn-Ein­gang der New Yor­ker Bowery Sta­ti­on befin­det. Dort habe ich eine Instal­la­ti­on aus Zeich­nun­gen, Sträu­chern und Eis ent­wi­ckelt. Zur Eröff­nung habe ich zusam­men mit dem Kon­tra­bas­sis­ten Ste­ve Whipp­le die Per­for­mance »Moist Stash« gezeigt. Er saß in einer Ecke des Raums und hat zwei Stun­den lang den­sel­ben Ton gespielt. Ich lag hin­ter einem Laub­hau­fen in der gegen­über lie­gen­den Ecke des Raums und habe mit den getrock­ne­ten Blät­tern Geräu­sche erzeugt. Es ist ein sehr redu­zier­ter und inten­si­ver Dia­log entstanden.

Den­noch wur­den dei­ne Arbei­ten bis­her fast aus­schließ­lich in klas­si­schen Gale­rie­räu­men, ste­ri­len White Cubes gezeigt. Obwohl dei­ne Wer­ke ohne die Natur undenk­bar wären, gab es bis­her kaum Aus­stel­lun­gen in natür­li­che­ren Umge­bun­gen oder gar Land Art. Inwie­fern lebt dei­ne Kunst von dem Kon­trast, ein natür­li­ches Ver­satz­stück im her­me­ti­schen Raum dar­zu­stel­len? Gibt es ande­re Grün­de, daß man dei­ne Arbei­ten bis­her fast aus­schließ­lich nur in sol­chen Umge­bun­gen sehen konnte?

Ich habe ein­mal in der Natur aus­ge­stellt, wäh­rend eines Sym­po­si­ums im Wald. In der Wald­si­tua­ti­on fehl­te mir der Kon­trast, den Du ange­spro­chen hast. Mehr hat mir jedoch die Ver­bin­dung zum Raum gefehlt. Von die­ser Aus­stel­lung abge­se­hen habe ich in zwei Bota­ni­schen Gär­ten, einer Kir­che und dem gera­de ange­spro­che­nen U‑Bahn-Ein­gang aus­ge­stellt. Die Arbeits­wei­se ist ein­fach unter­schied­lich. In einer White Cube Situa­ti­on emp­fin­de ich die Kon­zen­tra­ti­on der Arbeit stär­ker. In weni­ger neu­tra­len Räu­men ent­steht dafür ein grö­ße­rer Dia­log, in dem Arbeit und Raum mehr ver­schmel­zen. In bei­den Fäl­len inter­es­siert mich die Arbeit mit dem Innen­raum mehr als die Arbeit mit dem Außenraum.

Du hast vor vier Jah­ren in der neo­go­ti­schen St. Johan­nes Evan­ge­list-Kir­che aus­ge­stellt. Wie kam es zu die­ser Schau? Wie hast du auf die­sen beson­de­ren Raum reagiert?

Damals haben mei­ne Gale­ris­tin Tan­ja Wag­ner und ich nach einem Aus­stel­lungs­raum gesucht und schließ­lich die­se Kir­che gefun­den, die für zwei Wochen unge­nutzt war. Die Aus­stel­lung ent­stand im Rah­men eines ein­jäh­ri­gen NaFöG-Sti­pen­di­ums, in dem ich ein Jahr lang täg­lich mei­ne Träu­me doku­men­tiert habe. Wenn man es trai­niert, kann man sich bald gut an sei­ne Träu­me erin­nern. Auf der Grund­la­ge die­ser Auf­zeich­nun­gen sind abs­trak­te Zeich­nun­gen ent­stan­den, in denen sich Punkt­ge­flech­te über­la­gern. Die­se Zeich­nun­gen wur­den in Leucht­käs­ten gezeigt, die auf Ste­len zwi­schen den Säu­len des Kir­chen­raums posi­tio­niert waren. Die Traum­no­ti­zen habe ich spä­ter zer­ris­sen und so unle­ser­lich gemacht. Dann habe ich sie, zusam­men mit Wur­zeln und Moos, in zwei groß­for­ma­ti­ge Eis­blö­cke ein­ge­fro­ren. Nach­dem die Auf­zeich­nun­gen lang­sam frei­ge­ge­ben wur­den, ist ihre Tin­te mit dem Schmelz­was­ser ver­schwom­men. Die Schwie­rig­keit in der Vor­be­rei­tung der Aus­stel­lung bestand haupt­säch­lich dar­in, auf die Grö­ße, Dun­kel­heit und das tran­szen­den­te Moment der Kir­che zu reagie­ren. Gleich­zei­tig ist es natür­lich aber auch ein­fach, in so einem Raum Wir­kung zu erzielen.

Im ver­gan­ge­nen Jahr hast du bei Tan­ja Wag­ner in der Grup­pen­aus­stel­lung „Dis­cus­sing Meta­mo­der­nism“ drei Land­schafts­fo­to­gra­fien gezeigt. Was hat­te es damit auf sich?

Es gab zwei Arbei­ten, die drei­tei­li­ge Serie aus Land­schafts­fo­to­gra­fien und eine Per­for­mance, wäh­rend der sich sechs Paa­re drei Stun­den lang geküsst haben. Das waren haupt­säch­lich Tän­zer. Ich fand es inter­es­sant, so einen inti­men Moment in die Aus­stel­lung zu brin­gen, weil es jedem Anwe­sen­den etwas unan­ge­nehm war, ein sehr per­sön­li­cher Moment.

Wel­chen Bezug zu den Phä­no­me­nen und Cha­rak­te­ris­ti­ka der Meta­mo­der­ne hat­ten die­se Arbeiten?

Ich habe im Rah­men mei­ner ers­ten Ein­zel­aus­stel­lung bei Tan­ja Wag­ner einen Artist Talk mit Robin van den Akker und Timo­theus Ver­meu­len geführt. Und seit letz­tem Win­ter arbei­ten wir an einem inten­si­ven Lang­zeit­in­ter­view. Im Kon­zept des Meta­mo­der­nis­mus erken­ne ich vie­le Anknüp­fungs­punk­te zu mei­ner Arbeit. Es geht um ein Pen­deln zwi­schen Moder­ne und Post­mo­der­ne. Das drückt sich bei mir in den gegen­sätz­li­chen Posi­tio­nen, zum Bei­spiel von Ehr­lich­keit und Iro­nie aus. Die Foto­gra­fien sind in der Schweiz ent­stan­den, Wald, Ber­ge, Alpen­pan­ora­men und so wei­ter. Einer­seits hat die Natur in die­sen Foto­gra­fien viel mit den Struk­tu­ren mei­ner ande­ren Arbei­ten gemein­sam, ande­rer­seits ist die­se idea­li­sier­te Land­schaft auch iro­nisch zu sehen. Die­ses Wech­sel­spiel in mei­nen Arbei­ten, wie etwa auch zwi­schen Uto­pie und Rea­li­tät oder Leich­tig­keit und Schwe­re fin­de ich in der Meta­mo­der­ne wieder.

Wo wer­den dei­ne Arbei­ten dem­nächst wie­der zu sehen sein?

Nach der abc wer­de ich an einer Grup­pen­aus­stel­lung in der Kunst­hal­le Lana in Meran teil­neh­men. Danach möch­te ich mich wie­der für ein paar Wochen auf die Arbeit im Ate­lier kon­zen­trie­ren. Ich den­ke, dass es wich­tig ist, auch Pau­sen zwi­schen den Aus­stel­lun­gen zu machen, damit kein Still­stand in der Arbeit entsteht.

Wei­te­re Fotos aus Pau­la Doepf­ners Ate­lier und der Wer­ke, an denen sie gera­de arbei­tet, stel­len die Kol­le­gen von iGNANT vor, mit deren Zusam­men­ar­beit die­ses Inter­view entstand.